miércoles, 23 de septiembre de 2009

99 formas de morir (1ª parte)


En mi afán por dar alguna notoriedad a este blog, a pesar de contar con uno de los públicos más cultos del orbe, no me conformo con las visitas masivas que ya cuento. Quiero pasar de los cinco lectores semanales y necesitaba una entrada morbosa para esta semana. Viendo las diferentes opciones pensé en contar alguna de las muchas muertes estilosas que han tenido las estrellas del rock, pero incapaz de decidirme por alguna he pensado que aunque la mayoría de ellas ya son bastante conocidas no estaría mal hacer una recopilación con las maneras que han tenido de morir algunas de nuestras estrellas musicales.

- Bon Scott, 1980, cantante de AC/DC, intoxicación etílica.
Probablemente el más entrañable de los rockeros desaparecidos. Está claro que Bon era uno de los casos clásicos de rockero que era carne de cañón.  Se bebía hasta el agua de los floreros y en los preparativos de Back in Black en Londres, una noche le encontraron ahogado en su vómito en el coche de un amigo. Quizá se puede considerar el modelo máximo de rockero bebedor.
No debemos subestimar la influencia de un tío que lideraba la banda como él. Nos quedamos sin saber como hubiera sonado Back in Black si hubiera estado. No me puedo imaginar como hubiera sido la leyenda de AC/DC...

- Janis Joplin, 1970, cantante, sobredosis.
 El día de su muerte se supone que tenía que ir al estudio a grabar su parte en una canción, y cuando no apareció la gente que andaba por allí se olió la tostada. Ya llevaba algo de tiempo dando tumbos. La encontraron en casa con una sobredosis de heroína más alcohol. 27 años tenía la florecilla.
Se nota que no soy un gran fan suyo, porque no sé mucho más que pueda contar, y con lo cuál no tengo ni idea de lo qué nos perdimos en realidad, pero intuyo que no mucho. Más que su influencia musical, parece que estaba más presente en la conciencia colectiva del movimiento hippie. Bueno, sí, tenía una voz acojonante, eso es cierto.

- Jimi Hendrix,1970, cantante y guitarrista, asfixia.
Con Jimi, como muchas cosas en su vida, su muerte tiene algo de misteriosa. La versión más extendida de su muerte es que se pasó con unas pastillas tranquilizantes, porque la dosis de la versión europea era más fuerte que las que el solía tomar en USA. Vamos a ver, este señor se metía de todo, no nos engañemos, así que lo más probable es que fuera lo único que tenía a mano ese día y se pasó. Es un tema estadístico: si juegas con fuego todos los días...pues eso.
El final de la historia, igual que Bon Scott, ahogado en su vomito. Vale me he repetido, pero la causa es diferente!
Con éste sí que nos perdimos mucho creo yo. Teniendo en cuenta que era un tipo muy creativo, me hubiera gustado ver en que se hubiera convertido su música con el tiempo. Me atrevo a decir que hubiera llegado a tener una influencia como The Beatles, porque todo lo que hacía era muy novedoso y brillante, menos cuando se le iba la olla, que no eran pocas veces, pero a los Beatles también se les iba la olla! Eso pienso yo.

- Stevie Ray Vaughan, 1990, accidente de helicóptero.
Este es un poco es caso contrario de los anteriores. Tenía todas las papeletas para morir alcoholizado, pero el destino le tenía reservado otro final. Estando de gira teloneando a Eric Clapton en 1990, se ve que no llegaba al concierto en algún lugar de Wisconsin, y para evitar el tráfico le pusieron un helicóptero. Bueno, pues se la pegaron de camino al concierto. Una cosa de lo más absurda. Es de estas cosas que no tiene sentido ninguno.
Si con Jimi Hendrix tengo la impresión de que nos perdimos mucho, creo que Stevie ya nos había dado lo mejor que tenía, lo cuál no quiere decir que no pudiera haber hecho cosas geniales si no se hubiera ido.
Me viene a la cabeza una curiosidad: tocó en el Let´s Dance de David Bowie.

- John Bonham, 1980, batería de Led Zeppelin, edema pulmonar.
En esta primera parte me quiero quitar todos los que inundaron sus pulmones con vómito. Nuestro querido John estaba ensayando un día con su grupo, unos tales Led Zeppelin, y en la parada de la mañana se enchufo medio litro de vodka, luego siguió bebiendo toda la tarde y claro, un ratito por la noche. No era el primer día que se liaba, así que el chaval tenía callo. Se lo encontraron frito a la mañana siguiente.
Led Zeppelin decidió deshacerse después de la muerte de su batería, que de algún modo se entiende. A parte de la amistad que les unía, su estilo era único. Vamos, que no me extraña.


- John Lennon, 1980, miembro de The Beatles, asesinado con arma de fuego.
Otro que claramente murió sin buscarlo. Salía de casa hacia el estudio y su limusina le recogió delante de su mega-apartamento en los Dakota. Éste es un edificio muuuuuy elegante en la orilla oeste de Central Park (eh, que he pasado por allí, no me lo invento!). El famoso Mark David Chapman, un especie de equivalente musical de Lee Harvey Oswald asaltó a John a la salida de su casa. Se lo tomó con calma porque llevaba un disco de John y le pidió un autógrafo. John se fue al estudio y varias horas después cuando volvió tenía al "fan" esperándole. "Ah, sí, se me olvido antes" debió pensar el asesino y le disparó cinco veces.
Aunque yo no soy para nada fan de los Beatles y mucho menos de John Lennon en solitario, tengo claro que esta es seguramente la muerte más llorada del mundo de la música, quizá ahora superada (o igualada) por la de Michael Jackson.

Como colofón a esta primera parte hay que darse cuenta de que los músicos son gente ocupada, siempre mueren yendo o viniendo del estudio. Puede parecer un comentario sarcástico, pero no lo es. Y es que casi todos los que he comentado hasta ahora iban o venían del estudio o de ensayar, y veremos que casi todos los de la 2ª parte también.
También creo que he limpiado el terreno para muertes algo más ogrginales que las de pillarse el pedo del milenio y morir ahogado...

Lo veremos la semana que viene en la segunda parte.

domingo, 13 de septiembre de 2009

El concierto de Colonia

Bueno, señores, ya tocaba algo de jazz. Hoy voy a comentar una de sus leyendas más famosas, la del concierto de Colonia, u originalmente The Köln Concert.
El protagonista de nuestra historia es Keith Jarrett, pianista norteamericano nacido en 1945, y que faltando a muchos de los estereotipos del jazz no es un negro sudoroso, criado en el sur de los Estados Unidos que sufrió un montón y esas cosas. Estudió en Berklee (la de Boston) y ha sido intérprete desde jazz moderno hasta Bach, por lo cual también es conocido.
El concierto en si tuvo lugar en 1975. Ya en esa época este pianista era famoso por sus conciertos totalmente improvisados, y que al parecer le solían quedar bastante aparentes. Particularmente, éste tuvo mucha repercusión y a lo largo de los años ha recibido premios de todo tipo por parte de los medios especializados. También creo que es el disco de un solista de jazz más vendido de siempre.

Mr. Jarrett llegó tarde y el concierto comenzó tarde también, pero eso debía ser parte de los ingredientes para que se produjera el milagro y le saliera una sesión tan redonda. Si tenéis ocasión de escuchar el disco, llama la atención que no sólo se oye el piano, que es el único instrumento en esta pieza, sino que se oye al músico jaleándose, susurrando y tarareando las cosas que va tocando. Resulta extraño, pero a la vez le da un toque muy vivo.
Tal es el impacto del disco que en varias ocasiones le han pedido que transcriba su música, a lo cuál se ha opuesto aduciendo que esa música se creó en aquel momento y tal cuál vino se fue. Bueno, no sé si esto lo dice en serio o es fruto del divo que el amigo Keith sin duda lleva dentro. Me pregunto yo: no habrá nadie en este planeta capaz de transcribir la pieza aparte del autor? O quizá es que por tema de derechos sólo el autor puede publicarlo...
Existe también una transcripción para guitarra clásica de un tal Manuel Berrueco , lo cuál si lo pensáis es un poco de locos. O sea, una música totalmente improvisada para piano transcrita para guitarra clásica. La gente tiene poco qué hacer...

Lo podéis oir en YouTube, para variar:
Un aspecto que me gustaría comentar es la idea de la música "totalmente improvisada". Desgraciadamente no creo en esto. Creo que un músico de tal nivel puede plantarse en una sala de conciertos y tocar sin un guión predefinido, pero sus estructuras mentales, sus ideas líricas y también la capacidad técnica del músico ya están ahí. Nunca se tiene libertad absoluta para tocar algo en lo que nunca antes se ha pensado. Siempre se refleja algo que se conoce de antemano. Siento fastidiar la fiesta al personal.

lunes, 7 de septiembre de 2009

John Cage: genio o loco?

John Cage, compositor, poeta, escritor y no se cuantas cosas más norteamericano (1912-1992) ha sido un personaje único dentro de los círculos musicales clásicos. Ya que el blog es de música me voy a centrar en sus peripecias musicales. 
A principios del siglo XX, y con el decaimiento del romanticismo -parece que con casi un siglo de romanticismo ya habían tenido bastante empalago- no ha vuelto a haber una corriente musical que dominase al resto como en el pasado dominaron otros estilos como el barroco, el clásico o el romántico. El mundo de la música clásica se atomizó totalmente, dando lugar tanto a la vuelta a estilos antiguos adaptados a los nuevos tiempos (neoclásico, neoromántico) o se siguió avanzando hacia la modernidad, con estilos que no hay dios que los entienda (dodecafonia, postmodernismo, electrónica, etc..).
Bien, ya tenemos un poco el entorno histórico. Pues el bueno de John Cage no encajaba en ninguno de estos géneros, y como bicho raro que fue pues le metieron en la cesta del avant-garde, que igual que en el rock es la que se usa con los chalaos (en el buen sentido).
Entremos en harina. El tío John tenía dos obsesiones muy particulares (no se lo tengáis en cuenta, es que estudió con Schoënberg!)
Los sonidos: Venía a decir que si la música "clásica" estaba reservada a instrumentos del siglo XVIII y XIX, que eso a él se le quedaba muy corto. De hecho, se le quedaban cortos todos los instrumentos convencionales. Llevándolo al extremo, el era más partidario de abandonar las estructuras musicales conocidas e investigar cómo organizar los "sonidos" de cualquier tipo y crear algo que tuviera sentido musical, pero musical no en el sentido clásico del término.
Y el azar: en otros momentos compuso para instrumentos clásicos o alternativos, pero  con fines oscuros que vamos a ver. Respecto a esto él quería que los intérpretes fueran libres, pero no  libres como el el jazz, donde casi siempre puedes decir: esto es jazz! y puedes reconocerlo, sino libres para pensar e interpretar por si mismos piezas que no están completamente escritas, y que cada vez sean una experiencia nueva e irreconocible. El intérprete  se convierte un poco en compositor. Hasta tal punto llegó que utilizaba como intérpretes de sus "performances" a gente de la calle. Tal cuál.
Y poniendo todo esto junto: cuál era el objetivo? Pues resumiendo, dos también:
Uno, desencorsetar el lenguaje musical, muy reducido en sus posibilidades por las regularizaciones de la música de los siglos anteriores. Al final, con toda la normalización de  la música tenemos sólo los sonidos de los instrumentos clásicos (violín, piano, etc...) y el lenguaje musical convencional (Do, Re, Mi y todo lo demás),. Al ciudadano medio le podía parecer mucho, pero eso a este hombre le mataba por escaso!
Y dos: la música que conocemos, sea del tipo que sea, nos transporta mejor o peor, a través de sensaciones, recuerdos, ritmos... Él quería que la gente no se moviese  mentalmente de la sala, y que pudiese vivir la música tal cuál. Que no fuera evocadora y que les hiciera pensar y vivir la música misma, no otras cosas. 
Muy curioso: mientras en el mundo vamos hacia el pop, el tecno y formas cada vez más sencillas de música, este pájaro quería que la gente no sintiera la música, sino que la pensara! Con un par.
 Como colofón a todas estas cosas sesudas llevó a la práctica sus ideas:
- Grababa música con cualquier cosa que se le ocurría. Lo de la botella de anís para este era una mariconada. Si no lo creéis, atención a su primera aparición en la tele (a partir del minuto 5:37). De verdad, echadle un vistazo.
http://www.youtube.com/watch?v=SSulycqZH-U
- Inventó el piano arreglado, que era un piano con objetos dentro, que alteraba su sonoridad original. No os creáis, que escribió bastantes obras para el juguetito.
- Y probablemente, su trabajo más conocido "4:33", una obra espectacular sobre la que se ha escrito mucho. Durante su duración los músicos no hacen absolutamente nada.  Por qué? Siguiendo con el azar y los sonidos, él quería explorar las reacciones del público y los sonidos que no se oyen cuando se toca una pieza tradicional. Además, como esa reacción cambia cada vez que se interpreta la pieza...para qué quieres más? En una pieza condensaba toda su filosofía!

Mi opinión: Pues seguramente el hombre tiene algo de razón en sus planteamientos, pero sus objetivos eran demasiado ambiciosos para el 99,9% del público, que lo que queremos es aprendernos el "Still loving you" y tararearlo en la ducha mientras pensamos en aquella novia de Albacete que nos dejó...

Genialidad o tomadura de pelo? 
Cada uno decide por si mismo. Eso le haría feliz también.

miércoles, 2 de septiembre de 2009

Robert Fripp: el músico pensador

Robert Fripp, guitarrista inglés nacido en 1946 y más conocido por ser líder y único miembro permanente de King Crimson es todo un personaje. Aparte de su probablemente inmerecida reputación como guitarrista (también aparece en el Top 100 de Rolling Stones ¿?) tiene una carrera tan dilatada y llena de eventos que merece la pena hacer una pequeña reseña.
Lo primero que se me viene a la cabeza es ha sido un  dictador en su mundo. En 40 años con King Crimson no ha conseguido que nadie aguante en la banda más de tres o cuatro años seguidos, y han pasado no menos de una docena de músicos. La cosa tiene mérito. Pero si miramos el afán y la obsesión con la que controla todo lo que hace, casi no me extraña.
Más que la música en sí que ha grabado no sólo con King Crimson,y con docenas de otras bandas y músicos (Peter Gabriel, David Bowie, Brian Eno y Porcupine Tree entre otros) me resulta más interesante el halo de innovador y de filósofo que rodea a su carrera.
Si todavía no te has aburrido, os voy a hacer una lista de tres o cuatro cosas por las que se le conoce más allá de sus propios méritos musicales. Como veréis este señor no es nada presuntuoso.
One: Inventó el Frippertronics: un cacharro que conectado a la guitarra permite hacer loops, delays y cosas que a mediados de los 70 no eran nada habituales. Siempre se ha mostrado muy orgulloso de la invención. Creo que lo usa el y cuatro pirados más. No es el invento de la Stratocaster precisamente.
Two: Creó Guitar Craft: el hombre, que estaba seguro de que su experiencia musical debía perpetuarse, creó una especie de academia en la que da cursos de guitarra y música alrededor del mundo. De ahí salieron por ejemplo California Guitar Trio. Parece que ha tenido bastante éxito, y eso que los cursos no son nada baratos. Por cierto, durante el encierro no se puede fumar y sólo sirven comida vegetariana.
Three: Inventó también lo que el mismo llamó nueva afinación estándar (en inglés NST) para guitarra. Olé sus güebos. Vino a decir que la afinación de guitarra de toda la vida era muy cutre y poco práctica (por eso sólo se usa en todos los géneros) y que la que él había parido era mucho más flexible. Con esta nueva afinación no es fácil tocar las del Dúo Dinámico.
Todas estas muestras de modestia, aparte de no permitir aún hoy hacer fotos en los conciertos y el celo que muestra con toda su producción musical hace de él un tipo poco atractivo pero a la vez muy interesante. Después de meterme un poco con él, tengo que reconocer que no todo es malo. Su música siempre ha ido por delante de su tiempo y es en muchos aspectos diferente. Es muy experimental, pero a la vez muy estudiada y la verdad es que tiene un montón de fans, lo cuál es bastante raro para un género tan especialito.
Y volviendo a su faceta de estudioso, ésta de abajo es una columna suya para Guitar Player de hace unos años donde explica que significa para él tocar con el corazón. Evidentemente se tomó la pregunta muy en serio y hace una disección de su idea de la música muy interesante. Siendo como es espero que no me lleve a juicio por traducirla y pegarla aquí.
Robert, te juro que no la he encontrado en internet, si no hubiera puesto el enlace!
 
¿Qué es para ti tocar desde el corazón?
Tocar desde el corazón no significaría para mí estar en contacto con la riqueza emocional de una pieza musical. Escogiendo las palabras más adecuadas, “tocar desde el corazón” para mi implicaría que la ejecución fuera un acto comprometido.
En otras palabras: ¿es esto verdadero? El criterio que aplico cuando escucho a un músico, o el trabajo de cualquier artista, es simplemente la pregunta: ¿es esto verdadero? Diferentes tipos de músicos reflejarán a diferentes tipos de personas. Algunas gentes se inclinan más a tener un centro de gravedad que está basado en el cerebro, otros en las emociones y otros en el cuerpo.
Cada uno de estos caracteriza un sabor muy diferente a la hora de tocar. Por ejemplo, para una persona que esté basada en el cuerpo, el vocabulario de la música no sería particularmente sofisticado. Para una persona que fuera más cerebral, el vocabulario y la forma estarían bastante más desarrolladas, pero debo anticipar que estarían adoleciendo en el sentido del tiempo. Para la persona basada en el cuerpo, el tiempo sería muy importante. La persona basada en la mente tendería a no tener contacto con el cuerpo.
Si oyen a intérpretes clásicos, por ejemplo a un concertista de violín, el solo de violín generalmente está apartado por completo del tiempo de la orquesta. El rock está basado más en lo físico como podría esperarse de su propio nombre, que es sinónimo del acto sexual. Tú esperas que un músico de rock esté más basado en el cuerpo. Estoy generalizando, pero de todos modos es aplicable. La emoción de los cantantes italianos de baladas es demasiado pesada para mí, me refiero a que están exudando sus emociones.
Si tratas de imaginarte como podría ser un músico completo, entonces tendría que integrar todos los aspectos. La música incluiría una forma, habría sentido del tiempo y eso implicaría un tiempo, una determinación del compás o medida del tiempo, lo cual sería un proceso formal más cerebral, y luego el entrar a tiempo o timing, que es estirar y aflojar la discontinuidad en la música a medida que fluye y eso expresaría un sentimiento.
Si un músico es genuino, independientemente de la orientación natural de su persona, y es genuino para con los demás, eso es lo que cuenta.
Para un cantante de blues que es genuino, creo que el vocabulario del blues no está suficientemente desarrollado. Podría ampliarse más. Necesito algo que armónicamente sea más rico. Regresando a cuando me volví profesional, estaba la pregunta sobre cómo sonaría Hendrix tocando “La Consagración de la Primavera” o los cuartetos para cuerda de Bartók. O cómo sonaría la música clásica con el tiempo, la convicción y la pasión de Hendrix.
Para mí, hay un solo músico en el mundo, y el músico vive en diferentes cuerpos. Hay un solo lenguaje, y cada persona lo expresa en diferentes dialectos. Mi preocupación sería cómo revertir el proceso de la luz incidiendo en un prisma y siendo refractado por éste. Para mí, la cuestión es ¿Cómo puede regresarse para ser la luz individual? Por lo que respecta a la pregunta sobre tocar desde el corazón, no es cuestión de “una cosa u otra”, sino que es cuestión de juntar las partes de un todo absoluto.
Discos recomendados:
King Crimson: Discipline
King Crimson: Thrakk

domingo, 30 de agosto de 2009

Supergrupos

Preguntaban en una lista de distribución que suelo leer cuál era el mejor supergrupo. Como  nadie especificaba qué es una superbanda, pues me lo he definido yo solo: dícese de grupos en los cuales al menos tres de los miembros tienen una carrera sólida, ya sea en solitario o como miembros de otros grupos. Y por que no dos? Dos podría ser una casualidad. Dos estrellas se conocen una noche de borrachera y quedan para grabar algo juntos. Con tres o cuatro es posible también, pero un poco más difícil.

El el blog había propuestas de todo tipo. Desde las cosas más tontas como Fugazzi, Crosby-Stills-Nash-Young o Genesis, hasta algunas con más sentido  Return to Forever, Blind Faith o Travelling Wilburys. Esto es como casi todo en la música, cada uno habla de lo que le suena.

Yo les dije, mirad, aquí van tres supergrupos que pueden hundir a cualquiera de esos con una mano atada a la espalda. Está claro que el estilo y las composiciones son algo subjetivo y no es fácil que haya acuerdo. Lo que es indiscutible es que todos estos que propongo puestos a tocar revientan a cualquier otro grupo que pongáis delante. Bueno, quizá alguna de las alineaciones de Miles Davis podría resistir...

- Mr. Big (más bien hard rock melódico): Eric Martin, Billy Sheehan, Paul Gilbert, Pat Torpey
http://www.youtube.com/watch?v=OD-C-oS--xQ 


- Vai (no sé como calificar a estos...): Steve Vai, Devin Townsend, Terry Bozzio, TM Stevens 
http://www.youtube.com/watch?v=Twi28xWoLxc 

- Liquid Tension Experiment (la versión instrumental de Dream Theater): Jordan Rudess, Mike Portnoy, John Petrucci and Tony Levin. 
http://www.youtube.com/watch?v=df1jjMT_Vn0 

Me había olvidado de una, tan metido como estaba en el mundo del rock duro. Para mi, los más potentes en fusión, y un vídeo impresionante:

- Chick Corea Elektric Band: Chick Corea, John Patitucci/ David Rosenthal, Dave Weckl, Frank Gambale/Scott Henderson...
http://www.youtube.com/watch?v=oHOSUEPsKFk 

Y como coña final, en un disco de versiones de West Side Story ponen a dos de estos "supergrupos", el de Chick Corea y el de Steve Vai uno delante de otro y les sale esta versión de The Rumble. Tremendo!
http://www.youtube.com/watch?v=FAjskQTRGE8


viernes, 28 de agosto de 2009

La vuelta ciclista

Aquí tenéis la frikada de la semana. Se me ocurrió que sería bueno tener una lista de la música de las canciones de la Vuelta viendo un vídeo de Melendi el otro día. La idea no es nueva. La lista ya está hecha en otras webs y en la wikipedia se pueden encontrar los títulos también. Así que mi granito de arena es poner los vídeos donde los hay y si no hay vídeo pues la musiquilla en cuestión.
La verdad es que es interesante, porque al fin y al cabo las bandas sonoras de nuestra Vuelta han evolucionado a la vez que el pop y que el negocio musical, y escuchando la música de la lista se puede ver bastante bien.
Después de la ocurrencia de poner una polka el primer año, que tampoco queda tan mal, las hay peores. Los 70 son del funk/disco hasta el 81. Me quedo con la de 'Born to be alive' del 79 y 'Lipps Inc.' del 80. Es que no tienen desperdicio, echadles un vistazo!
Después empiezan los años tecno, con Tino Casal y Azul y Negro varios años. Para mí esta es la época de las mejores selecciones. La música pegaba mucho con la carrera y yo identifico la banda sonora de la Vuelta con los temas de estos años. Si es que uno era 'Me estoy volviendo loco'.
Y a partir de ahí (1985) es un poco difícil pensar en una pauta. Vuelven Azul y Negro un par de años y también está La Unión. Al final parece que decidieron centrarse en el pop español con pocas excepciones.
La cosa va empeorando con los años, en el sentido de que prima más el aspecto comercial de "a ver quién nos suelta más pasta por poner su canción, aunque la canción sea un truño", que realmente poner una canción que pegue con la carrera y podamos identificar.
Extrañamente, la última que me gusta es la de Melendi, del 2004. Eso sí que es raro...
 
1977, Strauss, Trisch Trasch Polka
1978, Sheila B. Devotion, Singin In the Rain
1979, Patrick Hernandez, Born To Be alive
1980, Aquí según donde mires salen dos canciones:
Funky town, Lipps Inc.
Paul McCartney &Wings, Goodnight Tonight
1981. También aparecen dos canciones según el sitio:
Yarbrough & Peoples, Don´t stop the music
Stars 45
1982, Azul y Negro, Me estoy volviendo loco
1983, Azul y Negro, Con los dedos de una mano
1984, Tino Casal, Pánico en el eden
Hay un vídeo de Tocata, pero está sacado del vídeo Beta de casa y está fatal:
1985, Iván, Baila
1986, Miami Sound Machine, Conga, con Gloria Estefan y su marido Emilio.
1987, Tino Casal, Oro Negro
1988, Serafín Zubiri, Pedaleando
No hay video. Me he tenido que ir a TVE:
1989, La Unión, Más y más
1990, Man Jumping, The perils of tourism
No he tenido bemoles de encontrarla...la única que se ha resistido.
1991, La Unión, Dámelo ya
A estas alturas ya me he dado cuenta de que no todo es YouTube...
1992, Havana, No Smoking.
1993, Azul y negro, Two-pa-ka
1994, Uakti, Earth
Al que escogiese esto para la Vuelta es para matarle. Directamente.
1995, Victor Coyote, Jaguarundi
1996, Ana y Ramón, Morena
1997, Malou, Kandela
1998, Vengaboys, Up & Down
1999, Hevia y El garrotín
2000, OBK, el cielo no entiende
2001, Pastora Soler, Corazón congelado
2002, Patricia Manterola, Que el ritmo no pare
2003, Hevia, Tirador
2004 Melendi, Con la luna llena
2005 Xucro, Mi primera vez
2006 Nena Daconte, En qué estrella estará
2007 Hanna, Como la vida
2008 Beatriz Luengo, Pretendo hablarte
2009 Zahara, Merezco

martes, 25 de agosto de 2009

Conciertos este otoño

El otoño va a estar calentito. Aquí dejo una lista de conciertos en Madrid que me parecen interesantes para ir.
 
- Mr. Big 18/09
- Tchaikovsy (1er concierto piano, bla bla...) 17/10
- Hamlet 17/10 (pequeño conflicto de fechas con el anterior...)
- Gun 22/10
- Dream Theater 23/10
- Depeche Mode 20/11
- Porcupine Tree 22/11
- Living Colour 21/12
 
Si a alguien le mola alguno no tiene más que decirlo.
 
Hay también algunas horteradas tipo Stryper, Junkyard, Jimi Jamison y Europe que habría que verlas sólo por las risas.

lunes, 24 de agosto de 2009

Lista de los 10 mejores guitarristas de Time Magazine


Me pregunta mi amigo Javi por esta lista de los mejores guitarristas según Time Magazine. Aquí esta: http://www.time.com/time/photogallery/0,29307,1916544,00.html

Bueno, Time no es una revista de música, sino de generalidades, así que lógicamente no ve va a poner a hacer una lista de los mejores de verdad, ni por técnica, ni por calidad, ni por influencia. No me imagino al periodista de turno, que además no será el más experto en el tema, poniéndose a explicar al lector medio quienes son Allan Holdsworth, John McLaughlin o Dimebag Darrell.

No es que me maten estas listas pero desde luego, como en todo, será más fácil que se acerque más una revista especializada: Guitar, Guitar World, Guitar Magazine, etc...

La lista debería llamarse "10 estrellas de la música anglosajona que tocan la guitarra eléctrica", sólo Yngwie Malmsteen no entra en esa definición (es sueco). No hay ni un músico de jazz, fussion, country, progresivo ni nada que no sea rock o hard rock. Con eso está dicho todo dicho.

Sobre casi todos los demás se puede discutir lo que se quiera, pero Prince y Johnny Ramone????? Eso es un insulto.

Me extraña que no esté Santana, y no porque a mi me guste.
Ah, sí! No debe ser anglosajón...

viernes, 21 de agosto de 2009

La muerte del jebi

Esto lo tenía en otro sitio hace tiempo, así que aquí lo vuelco casi tal cual lo escribí en su momento.

Hoy, unas palabras sobre la muerte de heavy metal. Se trata de un tema que ya he discutido muchas veces con mis amigos. No es uno de mis favoritos en este momento ahora mismo, pero necesito quitármelo de en medio antes de pasar a otras cosas.

Antes de seguir adelante: voy a hablar de muchas bandas en el artículo a fin de ilustrar mi historia. Si me he dejado alguna de las importantes no es mi intención. De todos modos, si falta algún grupo no va a cambiar la película mucho tampoco.

¿Qué pasó a finales de la década de los ochenta? Muchas bandas de rock duro (No, no quiero entrar en el debate sobre lo hard-rock o lo que es metal), ya sea comercial o bandas de metal genuino disfrutaron de un éxito como no se harían imaginado en la vida. Def Leppard, Metallica, Iron Maiden, Megadeth, Ozzy, Judas Priest, Aerosmith, Bon Jovi, Poison, Tesla ... puedo nombrar tantas como querais. Todos ellos se hicieron muy populares y fueron multi-platino en muchos casos, cosa que era casi una utopía pocos años antes.

A partir del año 1985, con el éxito de por ejemplo Iron Maiden y AC/DC, las compañías discográficas sintieron la tentación de promocionar casi cualquier tipo de banda de rock duro, e iban a tener éxito en muchos de los casos. El mercado de la música estaba maduro para casi cualquier tipo de hard rock. Por ejemplo, en 1987, Guns'n'Roses, Cinderella y Tesla se hicieron famosos casi de la noche al día. Cada mes, un grupo de rock antes desconocido aparecía en la MTV y se convertía en lo último del rock. Esto también pasó en 1988, 1989 y 1990. No voy a aburrir a la audiencia haciendo una lista, me llevaría una semana. Y podría dejarme a tus favoritos!

Incluso bandas de alguna forma más sofisticadas como Queenryche (me encantan, pero en ese momento no estaban en la primera división) se salieron y fueron multi-platino con Empire!

En paralelo a este proceso, algunas pequeñas compañías discográficas ,1) más interesados en la escena alternativa o, 2) que no podían competir con las multinacionales discográficas, comenzaron a gestar lo que suele llamarse "grunge". La idea original de la música Grunge procedía de la escena underground, sobre todo pero no sólo, de Seattle. Este es un tema para un artículo diferente. La asociación Grunge-Seattle-Sub Pop (el sello discográfico que inventó todo esto) pasa a ser la protagonista de nuestra historia.

No veo el Grunge como una música en si misma. Creo que es más un concepto que estas discográficas crearon para distinguir sus bandas dentro del hard rock, aprovechando que en realidad no coinciden plenamente con ninguno de los otros géneros. Está claro que algunas de estas bandas de Grunge no son realmente "metal", Nirvana o Pearl Jam o Temple of the Dog, por ejemplo, pero de ahí a que se puedan poner bajo el mismo paraguas...

Pero nombres como Soundgarden, Stone Temple Pilots o Alice in Chains fácilmente podrían haber sido etiquetados como heavy metal, y nadie se habría quejado. No quiero decir que no fueran bandas genuinas, sólo que sí podrían ponerse en la cesta de metal.

Recuerdo a Mike Muir de Suicidal Tendencies diciendo algo como "Si Pearl Jam estuvieran vivos, no tocarían Alive! Parece que estén muertos". Esto demuestra que en muchos casos, incluso metaleros no los veían como bandas de rock duro.

Resumiendo: en la casilla del Grunge al final tuvimos un poco de todo.

Hacia 1989, las grandes empresas discográficas vieron también que el patrocinio de grupos Grunge podría ser un buen negocio, ya que la escena hard rock comenzó a ser demasiada gente, y compró la idea del Grunge. Básicamente, le robaron las principales bandas de Grunge a las discográficas pequeñas que hasta ese momento se lo habían currado. Vamos, lo que pasa siempre. Al final, todas las grandes discográficas consiguieron su gran grupo Grunge:
- Alice in Chains firmó por Columbia.
- Pearl Jam firmó por Epic.
- Stone Temple Pilots firmó por Atlantic.
- Nirvana firmó por Geffen.
- Soundgarden firmó por una filial de Universal.
A veces, después de algunas grabaciones independientes y otras veces después de algunas demos, pero el gran salto estaba listo.



En 1991, todos vimos y escuchamos el gran hit del género: Smells Like Teen Spirit, de nuestro amigo Kurt. Y ahí terminó todo. Me acuerdo de ver el vídeo con mis amigos y a todos nos dejó locos! Todos queríamos tener el disco. Ellos no tenían pinta de jebis, pero no nos importaba, la canción era tan buena! Lo gracioso es que nadie pudo anticipar lo que sucedería después. Todos pensamos que era sólo una nueva banda, pero ese no era el maquiavélico plan de las discográficas.

El Metal estaba muerto. De repente, todos los esfuerzos de las discográficas pasó de la escana del metal a la escena grunge. El Hard Rock se dejó a un lado y el nuevo foco empezó a alumbrar Seattle.

Una conclusión importante: las personas, más precisamente las personas que piensan que tienen una opinión independiente sobre la música (incluida yo) son realmente un juguete en manos de los sellos discográficos. Consideraron que la vaca del metal no podía ser ordeñada más, y encontraron su nuevo juguete para reemplazarla.

La escena metalera había quedado obsoleta, y con la falta de apoyo muchas bandas de disolvieron o simplemente les peredimos la pista, debido a la falta de promoción, en radio y TV especialmente.

Algunos de los grandes sobrevivieron: Metallica, AC / DC, Iron Maiden, Ozzy ... pero la mayor parte de la primera división y segunda división desaparecieron: The Cult, Queensryche, Poison, Def Leppard, Aerosmith, Tesla y muchos otros se desvanecieron en el uno o dos años.
Hay que reconocer también que gracias a este derumbamiento desaparecieron muchos grupos que eran realmente lamentables: todos los de glam rock de Los Angeles, muchos del death, y grindcore, etc, etc... No todo iba a ser malo.

En realidad, el metal no desapareció, pero las bandas que se convirtieron en grandes finales de los años ochenta hubo pocas o ninguna posibilidad de éxito en la década de los noventa. Para mí, hubo dos reacciones a la nueva función de metal, y se inicia alrededor de 1992:

1) El metal no estándar tuvo su oportunidad. Las discográficas que seguían interesadas en el heavy buscan desesperadamente algo diferente: metal progresivo, metal industrial, metal-core y gente de otros generos nuevos tuvieron su oportunidad: Pantera, Fear Factory, Dream Theater, White Zombie, Tool, Corrosion of Conformity ...

2) Además, un nuevo estilo, lo que la prensa llamó Nu-Metal, apareció con la misión de actualizar la escena de metal: Limp Bizkit, Korn, Disturbed, Mudvayne. Aunque no era del agrado de los metaleros tradicionales, pero gracias a la promoción su éxito fue inmediato, aunque no acabó de calar. Incluso algunas bandas existentes antes de la explosión del Grunge se orientaron al Nu Metal bajo la presión de las compañías discográficas. Se me ocurre el ejemplo de Machine Head, que después de editar un disco cercano al Nu-Metal, casi se disolvió.

Aquí viene una segunda conclusión: el éxito a largo plazo para las bandas de rock duro va asociado a los auténticos fans del hard rock. Todos: Grunge y Nu-metal finalmente desaparecieron en menos de una década, ya que no eran realmente apreciados por los fans del rock duro de siempre. Su éxito a corto plazo estuvo muy vinculado a su presencia en los medios de comunicación.
Otra forma de ver como el rock duro nunca se recuperó del golpe es darse cuenta que las bandas de rock duro más grandes hoy en día son las mismas que antes de la eclosión del grunge (sólo que 20 años más viejos) y volvería a repetir la lista de grandes de toda la vida.

Con esto, el metal, el rock duro, nunca ha recuperado el nivel de popularidad alcanzado a finales de los años 80's, y este es el daño que Smells Like Teen Spirit nos hizo. Snif, snif...
Discos recomendados:
 
Temple of the dog
Alice in Chains: Dirt
Soundgarden: Superunknown

jueves, 20 de agosto de 2009

Danny Gatton: El mejor guitarrista desconocido del mundo

Con Danny Gatton empiezo una serie de entradas que haré sobre guitarristas. No, no creo que hable de Eric Clapton (o sí...para ponerle de vuelta y media).

Realmente, la primera vez que hoy mencionar a Danny Gatton fue en un artículo del Guitar Player donde se hablaba de los mejores guitarristas desconocidos del mundo. El artículo se llamaba: "The world's greatest unknown guitarists" (Los mejores guitarristas desconocidos del mundo). Parece que a alguien le hizo gracia el título y se lo guardo para Mr. Gatton en exclusiva.

Este hombre pertenece a una raza especial de guitarristas muy populares en Norteamérica que por alguna razón no son apenas conocidos en el resto del mundo, o al menos en Europa. Supongo que todo tiene que ver con los estilos que practican, más en la onda del rockabilly o el country, y algunos son realmente buenos. Otros tipos en esta categoría: Leo Kottke, Brad Paisley, Chet Atkins o Bela Fleck (Banjo).

En este caso Danny era un hombre del rockabilly, pero era tan bueno en lo suyo que también tiene algunos discos tocando jazz y no desentonaba nada con el resto de la banda (Redneck Jazz). Tras muchos años (finales de los 70 y todos los 80) intentando hacer algo importante, finalmente en 1989 consiguió lanzar un disco a través de una multinacional: 88 Elmira Street. Ni así consiguió saltar a la fama...

Tan seguro estaba de lo bueno que era que el hombre lo pasó realmente mal viendo que otros personajes que lo hacían bastante peor que él vendían muchos más discos. Incluso se dice que su suicidio de un tiro (uno que no se ahogó!), tuvo mucho que ver con esta ausencia de éxito en su carrera. A mi los discos no me terminan de entrar, pero realmente tenía un estilo genial.

Aparte del artículo del Guitar Player, aparece el los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos según Rolling Stone. No comparto casi nada de la lista, pero bueno, al menos él está ahí.

Os dejo con un par de videos suyos:
http://www.youtube.com/watch?v=MS5XH84mmI4
http://www.youtube.com/watch?v=4UkU3sBP8Pg


Y por supuesto, la entrada en Wikipedia:
http://en.wikipedia.org/wiki/Danny_Gatton
En español no hay entrada en Wikipedia.

Discos recomendados:
Danny Gatton: 88 Elmira St.
Danny Gatton: Redneck Jazz